Terug naar blog

INTERVIEW MET ALEX HORNEST (ONESTO) – DEEL I

Alex Hornest stemde meteen in met mijn uitnodiging voor een interview, om meer te vertellen over de muurschildering die hij in 2009 in Rotterdam maakte voor het RUA-festival. Dit werk zou later deel gaan uitmaken van de collectie van het Rotterdam Street Art Museum, totdat het verdween bij de renovatie van het gebouw.

Alex en ik worden gescheiden door duizenden kilometers en een oceaan, waardoor een persoonlijk gesprek er helaas niet in zat. Maar te midden van die afstand delen we iets bijzonders, een gemeenschappelijke culturele band: de Portugese taal. Het is bijzonder hoe die verbinding ons gesprek zo soepel liet verlopen dat we volledig het tijdsbesef verloren. Alex heeft een ontspannen houding en straalt een rustige sereniteit uit, eigenschappen die naar mijn overtuiging een grote rol hebben gespeeld in het succes dat hij in zijn dertigjarige carrière heeft opgebouwd. Hij is een kunstenaar uit de buitenwijken van São Paulo, Brazilië, die nu met zijn cartooneske muurschilderingen allerlei uithoeken van de wereld verovert.

Cláudia Freitas: Dit interview heeft als doel de muurschildering die je hier in Rotterdam hebt gemaakt beter onder de aandacht te brengen en te begrijpen, en om meer te leren over jou en je werk in het algemeen. Maar laten we beginnen bij het begin: hoe ben je benaderd om deze muurschildering op het Kruisplein te maken?

Alex Hornest: Begin jaren 2000 werkte ik in Rio de Janeiro, waar ik Anuki ontmoette, de directeur van een ngo genaamd Caramundo. Tijdens die ontmoeting vertelde ze dat ze Braziliaanse kunstenaars naar Nederland wilde halen om grootschalige muurschilderingen te maken, niet alleen in Rotterdam, maar in meerdere steden. We bleven contact houden en pas vier à vijf jaar later lukte het haar om de benodigde materialen, steun en vergunningen te regelen. Ik was meteen enthousiast: het was een innovatief project dat Rotterdam een nieuwe uitstraling moest geven. Het doel was de omgeving te veranderen en het stedelijk landschap via schilderkunst een andere aanblik te geven. Bovendien heeft het project geleid tot veel andere initiatieven en toekomstige muurschilderingen.

CF: Ik weet dat er meerdere kunstenaars bij het project betrokken waren. Mijn vraag is: had je tijdens het maken van het werk contact met hen, of werkte je vooral alleen?

AH: Het mooiste aan de manier waarop ze werkten was dat we veel autonomie kregen om in ons eigen tempo te werken. Toen we in de stad aankwamen, gaven ze ons een mobiele telefoon, een fiets en de sleutel van het appartement. Ze lieten ons de stad zien en gaven ons een schema voor gezamenlijke maaltijden, voor als we met het hele team wilden samenkomen. We hadden veel vrijheid. Ik herinner me dat het schilderen meerdere dagen duurde, niet slechts één week. Als je vijftien dagen of zelfs langer wilde blijven, was dat gewoon mogelijk; dat werd dan voor je geregeld. Ze zorgden ervoor dat de kunstenaar zich zo comfortabel mogelijk voelde. Daarnaast organiseerden ze ook gezamenlijke activiteiten, zoals ontbijt. In plaats van ergens anders naartoe te gaan, bereidden ze dat op een warme en gastvrije manier voor, zodat iedereen samenkwam. Ze hadden ook de steun van een lokaal hotel waar alle kunstenaars verbleven, waardoor het gemakkelijk was om anderen te ontmoeten en tijd samen door te brengen. Dit soort artistieke residentie vond ik ideaal, zo ideaal zelfs dat ik na mijn terugkeer in Brazilië zelf evenementen met dezelfde opzet heb georganiseerd. Ik vond het werkelijk inspirerend.

CF: Dat contact met de andere betrokkenen heeft je creativiteit en je manier van denken waarschijnlijk ook gestimuleerd, toch?

AH: Precies.

CF: Nu ik gevraagd heb naar je ervaringen hier in Rotterdam: hoe is het om te werken en je te onderscheiden in een van de steden met de meeste graffiti ter wereld?

AH: Ik begreep al vroeg dat ik met alleen graffiti mijn droom niet zou kunnen verwezenlijken. Ik moest kunst in bredere zin bestuderen, niet alleen hedendaagse kunst, maar ook klassieke kunst en alle artistieke grondbeginselen die me een andere kijk konden geven op het ontwikkelen van ideeën en het werken met materialen. Omgaan met schaarste is hier in Brazilië moeilijk; zelfs vandaag is een spuitbus duur. Maar ik had het geluk om op te groeien in een stad die me enorm inspireerde. Toegang tot biografieën van gerenommeerde kunstenaars, vrijwilligerswerk in ateliers en begrijpen hoe zij te werk gingen, dat alles gaf me veel mogelijkheden om mijn eigen aanpak te ontwikkelen en te combineren met graffititechnieken. Ik probeerde alles wat binnen mijn bereik lag: de straat, galerijen, musea en het internet, dat in die tijd nog relatief nieuw was. Die combinatie van invloeden hielp me om me te onderscheiden. En zoals je zegt, hier in São Paulo hebben we veel graffiti, voornamelijk bekend als “pixação”, wat de stad een groot gevoel van volume geeft en de ruimte vult. “Pixação” lijkt in zekere zin op tagging. Toch kon ik me onderscheiden, omdat ik niet alleen letters schilderde maar ook sterk herkenbare personages. Nog steeds wordt mijn stijl als heel eigen beschouwd.

CF: Aangezien je “pixo” (“pixação”) noemde, had ik daar ook een vraag over, want ik weet dat het een belangrijk onderdeel is van de cultuur in Brazilië, met name in São Paulo. Ik wilde je vragen of “pixo” invloed heeft gehad op jouw werk, en of je het zelf beoefent of hebt beoefend.

AH: Ik heb zelf nooit “pixo” gedaan, maar ik heb er altijd veel bewondering voor gehad. Ik heb altijd een sterke band gehad met die scene en ik heb veel vrienden die “pixadores” zijn (mensen die aan “pixo” doen). Door hen te observeren ontdekte ik nieuwe mogelijkheden om vaardigheden te ontwikkelen: hoe ze letters schilderen, hoe ze in groepen op pad gaan. Hun dynamiek lijkt in veel opzichten op graffiti, maar er zijn ook specifieke regels. Zo kun je in graffiti soms over de tag van iemand anders heen schilderen, maar in “pixo” wordt dat gezien als een overtreding, als een belediging. Je moet altijd op zoek naar plekken waar nog niets staat.

CF: Je kunt er echt niet overheen schilderen? Wordt dat zo serieus genomen?

AH: Dat kan inderdaad gebeuren, maar normaal gesproken leidt het tot gevechten. Je kunt zien dat de esthetiek van “pixação” een heel eigen visueel beeld kan creëren: sommige letters groter, andere kleiner, waardoor een textuur ontstaat waarin je alle namen kunt herkennen. Bij tags is het moeilijker en is er meer overlap. Natuurlijk levert overschilderen ook in graffiti onenigheid op, maar het werkt anders. In graffiti bestaat namelijk een soort hiërarchie: een tag is kleiner dan een throw-up, een throw-up kleiner dan een piece, een piece kleiner dan een wildstyle, enzovoort, waardoor overlap soms aanvaardbaar is. Bij “pixo” bestaat die hiërarchie niet. Omdat de esthetiek overal gelijkwaardig is, heeft niemand het recht om over het werk van een ander heen te schilderen.

CF: Zou je “pixo” dan kunnen zien als een soort collectief werk? Kunnen we dat zeggen? Werkt iedereen naar hetzelfde doel toe?

AH: Ik zou zeggen van wel, want iedereen heeft dezelfde intentie: zijn naam achterlaten in de stad. Waarom zou je dan het werk van iemand anders willen bedekken? Er is wel een aspect van het overtreffen van de ander: sommigen schilderen alleen onderaan een gebouw, anderen halverwege, en weer anderen helemaal bovenaan. Er is dus dit aspect waarbij de een krachtiger is dan de ander, maar niet vanwege de esthetiek, maar vanwege de brutaliteit van de locatie, de moed om een gebouw op te klimmen, naar binnen te gaan en de top te bereiken. Het gaat er niet zozeer om wat je schildert. Maar dat is natuurlijk ook belangrijk. Wat ook bijzonder is: alleen hier wordt lettering met een verfroller gemaakt. Spray wordt wereldwijd gebruikt, maar de roller? Die zie je vrijwel uitsluitend hier in Brazilië, en vooral in São Paulo.

CF: Nu zou ik graag willen weten hoe jouw eerste contact met artistieke productie eruitzag. Was graffiti je ingang, of begon je met iets anders?

AH: Ik ben al vanaf jonge leeftijd voortdurend blootgesteld aan kunst. Gelukkig heeft mijn familie veel kunstenaars: dansers, muzikanten, schilders… Dat artistieke universum wekte altijd mijn nieuwsgierigheid. Naarmate ik opgroeide begon ik ook meer aandacht te besteden aan de stad zelf, door de straten te lopen, schilderingen te zien, veel “pixação”, en dat vermengde zich met de sculpturen in de stad. Ik hield altijd van strips en van alles wat deel uitmaakt van het artistieke universum heeft me altijd geïnteresseerd. Maar op dat moment verscheen een film genaamd “Beat Street”, die alle artistieke disciplines van hiphop liet zien: dansen (breakdance), zingen (MC), schilderen (graffiti) en dj’en. Mijn vader was zelf ook dj op feesten, maar door die film zag ik het allemaal als een geheel. Omdat ik al tekende trok graffiti me het meest, zeker toen de film liet zien hoe mensen treinen beschilderden en hun naam zo door de hele stad reisde. Ik dacht dat dat was wat ik wilde doen, maar ik begon er niet meteen mee: ik zag de film in de jaren tachtig en begon pas in de jaren negentig echt te schilderen. Er was een periode daartussenin om te proberen te begrijpen. In de jaren tachtig kwamen er veel culturen op, dus ik heb andere bewegingen doorlopen voordat ik bij hiphop uitkwam.

CF: Maar begon je uiteindelijk met graffiti of met een andere stijl?

AH: Ja, ik had al eerder geschilderd en getekend. Ik wist dat ik deze weg op zou gaan; ik wist dat ik met kunst zou werken. Toen ik skateboardde maakte ik al ontwerpen voor T-shirts en voor het skateboard deck, als een manier om mijn werk te promoten. Maar na verloop van tijd besefte ik dat ik de straten niet alleen kon gebruiken om mijn werk te laten zien, maar ook als medium om mijn ideeën te verspreiden. Maar ik wist ook, zoals ik eerder al zei, dat graffiti niet genoeg was. Ik zou de plekken die ik wilde bereiken nooit halen. Dus moest ik andere dingen incorporeren, veelzijdig zijn en andere ideeën laten zien. En waarom zou ik geen waarde toevoegen aan graffiti? Ik zag andere writers niet bereid om met verschillende technieken te experimenteren, spray was voor hen genoeg. Voor mij niet. Ik gebruikte bijvoorbeeld cement om een textuur op de muur te creëren. Ik mengde klei met latexverf om een andere bruine kleur te maken. Ik probeerde altijd de omgeving te begrijpen waarin ik werkte. Wanneer ik personages schilderde, was het niet alleen de bedoeling dat ze er stonden; ik wilde dat ze waarde toevoegden aan die ruimte en er een andere perceptie van gaven.

CF: Het was interessant dat je eerder een opleiding bedrijfskunde hebt gevolgd. Heb je die gevolgd om je artistieke werk in de toekomst beter te kunnen beheren, of was het iets wat je echt wilde maar niet uitpakte zoals verwacht?

AH: Eigenlijk studeerde ik bedrijfskunde omdat ik niets kon vinden dat me interesseerde. Ik had school afgerond, moest een studierichting kiezen en kon niets vinden dat met kunst te maken had. Dus in plaats van een reguliere opleiding te volgen, koos ik voor een technische. Zo kwam ik bij bedrijfskunde terecht. Ik dacht er toen niet zo diep over na; ik wilde gewoon een diploma dat me een toekomstige baan zou garanderen, de mogelijkheid om bij een groot bedrijf te werken, of zoiets. Tijdens mijn studie ontdekte ik een kunstschool, maar ik dacht dat het beter was om eerst af te maken wat ik bezig was en me daarna ergens anders in te schrijven. Zo zou ik twee diploma’s hebben en vrijstellingen voor bepaalde vakken. Het heeft me echter veel geholpen en helpt me nog steeds om bedrijfsbeheer vandaag de dag te begrijpen.
Uit mijn gesprekken met Alex wordt duidelijk hoe belangrijk inzet en opoffering zijn geweest voor zijn ontwikkeling als erkend kunstenaar. In een wereld waarin de noodzaak om te overleven de meest creatieve geesten vaak fnuikt, was dat voor hem niet het geval: zijn vele levenservaringen voegden juist waarde toe aan wat hij maakte en maakten zijn kunst nog rijker. Zoals hij zelf vertelde, bestond zijn leven als jongeman uit een drievoudig ritme: overdag werken, ’s avonds studeren en in het weekend kunst maken. Die volharding heeft zijn vruchten afgeworpen, want Alex geniet tegenwoordig welverdiende internationale erkenning.

Toen ik hem vroeg wat het voor hem betekent om kunst te maken in de openbare ruimte, en of dat zijn favoriete plek is om te werken, zei hij dat hij zijn artistieke intenties goed van elkaar onderscheidt en probeert alles wat mogelijk is te bereiken. Maar hij geeft prioriteit aan de sensatie van de stedelijke omgeving:

AH: Ik werk het liefst op straat. De straat is veel interessanter en stimulerender. Op straat zijn de reacties van mensen direct. Iemand kan langskomen, geïnteresseerd raken of iets rapporteren, en dat alles is vervullend. Het is heel goed, want je leert omgaan met situaties, ontwikkelt mechanismen en ontmoet mensen die je je anders nooit had kunnen voorstellen. De straat heeft een enorme kracht.

Dit interview met Alex wordt voortgezet in Deel II. Blijf op de hoogte!