Terug naar blog

INTERVIEW MET ALEX HORNEST (ONESTO) – DEEL II

Na deel I met Alex Hornest is het tijd voor deel II! De Braziliaanse kunstenaar vertelt alles over zijn technieken en concepten en natuurlijk meer over zijn werk hier in Rotterdam. In zijn carrière heeft Alex meer dan 70 verschillende artistieke namen gebruikt, maar de naam waarmee hij het werk op het Kruisplein signeerde is zijn meest memorabele: Onesto, het creatieve alter-ego dat verantwoordelijk is voor zijn cartooneske ontwerpen.

Cláudia Freitas: Laten we het wat specifieker hebben over de muurschildering die je hier in Rotterdam hebt gemaakt. Het gebouw waarop je hebt geschilderd is ontworpen door een bekend architectenbureau. Heeft dat op enige manier veranderd wat je van plan was te doen?

Alex Hornest: Dat wist ik helemaal niet (lacht). Het enige wat in me opkwam toen ik het gebouw te zien kreeg, was hoe de muur twee zijden vormde en hoe ik daar gebruik van kon maken. Nu je me dit vertelt, is het nog interessanter geworden, want of ik het wil of niet, het is oud werk. Veel mensen die Rotterdam bezoeken sturen me er foto’s van of taggen me op sociale media. Het is fijn om te weten dat het een van de herkenningspunten van de stad is geworden. Toen ik het schilderde dacht ik daar helemaal niet aan; ik wilde gewoon mijn werk zo goed mogelijk doen, en ik was al heel blij omdat het mijn eerste gebouw was. Maar ik had geen idee wat het resultaat zou worden, want voor mij is de straat een onderzoeksveld. Ik ga niet naar buiten met een kant-en-klaar idee. Ik draag geen schetsboek met een afgewerkt ontwerp bij me; ik laat dingen gewoon gebeuren. Voordat ik begon met schilderen stond ik aan de overkant van de straat te observeren, zittend, etend, mensen kijkend, voelend, pratend… En dat gaf me het idee om een personage te tonen dat valt en een ander dat opstijgt, zoals het leven dat de stabiliteit mist die velen verwachten, altijd in beweging. Dit werk gaat over beweging.

CF: Ik moet zeggen dat jouw werk een van de meest opvallende in onze collectie is; het is heel goed gesitueerd en spreekt het publiek erg aan! Maar wat ik echt origineel vind zijn de personages met hun ronde lichamen. Voor mij zijn de handen en het pointillisme het meest bijzonder. Zit daar een betekenis achter, of is het in de loop van de tijd vanzelf ontstaan?

AH: Het is in de loop van de tijd ontstaan, maar het idee was altijd om een onderscheidende stijl te hebben, een handtekening zonder mijn naam te hoeven schrijven. Omdat ik altijd van strips heb gehouden, merkte ik dat kunstenaars altijd een eigen stijl hadden, en ik wilde ook mijn eigen stijl ontwikkelen. Naarmate ik andere esthetieken en namen ontwikkelde, besefte ik dat dit me ook veel mogelijkheden gaf. Toen ik deze personages begon te maken onder de naam Onesto, had ik niet veel materialen, alleen latexverf en een verfroller. Dus moest ik iets ontwikkelen waarmee ik vaardigheid en snelheid kon combineren. De roller hielp me ronde vormen te maken; de dunne arm kon met slechts één lijn worden gedaan. De materialen hebben me ook naar dit resultaat geleid. En het pointillisme ontstond omdat ik niet veel spuitverf had, dus bewaarde ik de bussen die ik wist te bemachtigen. Ik gebruikte ze niet om alles op te vullen en de hele bus leeg te spuiten; een paar stippen waren genoeg. Het belangrijkste voor mij was destijds om veel te doen met zo weinig mogelijk materiaal.

CF: Ik denk dat jouw techniek het werk echt een gevoel van textuur geeft. Maar gebruik je alleen deze materialen, of ook andere?

AH: Ik gebruik van alles. Vorig jaar heb ik bijvoorbeeld een bronzen sculptuur gemaakt. Ik ben altijd nieuwsgierig geweest naar verschillende soorten materialen. Maar ik blijf ook veel dingen gebruiken die ik in het begin gebruikte. Tegenwoordig doe ik veel dingen op dezelfde manier als vroeger; ik heb niet meer zoveel behoefte om te vernieuwen, want ik heb al bijna alles geprobeerd. Ik heb gewerkt met hout, bouwmaterialen en verschillende soorten verf. Die nieuwsgierigheid heb ik niet meer in dezelfde mate. Toch probeer ik nog steeds met dezelfde materialen op verschillende manieren te werken. De laatste tijd doe ik veel collage, wat me op dit moment het meest fascineert. Via collage kan ik texturen creëren en kleurencombinaties uitproberen.

Even liet Alex me een van zijn notitieboekjes zien waarin hij zijn collages bijhoudt, die hij abstract noemt. Hij gebruikt ze als hulpmiddel bij de kleurenkeuze en het algemene creatieve proces. Hij deelde enthousiast zijn nieuwste bezigheid met me en besprak nog vele andere technieken.

CF: Maar voor deze specifieke muurschildering, welke technieken heb je gebruikt?
AH: Deze was gewoon latexverf en spuitbussen, meer niet. Want graffiti draait om de achtergrond en de omlijning. Tegenwoordig richten mensen zich meer op volume, licht en schaduw. Maar ik heb me altijd gericht op het maken van een interessant ontwerp. Ik geloof dat het ontwerp belangrijker is dan de kleur. Ik zie veel kunstenaars die alleen op kleur vertrouwen om indruk te maken. Ik waardeer een goed ontwerp en een sterk idee. Mijn streven is altijd geweest om goed te tekenen; als ik dat met maar twee kleuren kan bereiken, is dat perfect!

CF: Ik ben ook benieuwd of het werk een naam heeft, zoals veel andere werken in het museum. Heeft het een titel?

AH: De naam is “Sobe e Desce” (Op en Neer). Maar over het algemeen geef ik mijn werken geen titels. Het zijn gedachtestromen.

CF: Als we het weer over het thema hebben: in je andere projecten, zoals de tentoonstelling “Resíduos do Passado” (Overblijfselen van het Verleden), ga je vaak in op sociale kwesties zoals slavernij. Wil dit werk een vergelijkbare boodschap overbrengen, of is het gewoon een weerspiegeling van de omgeving van de West-Kruiskade? Wat was het idee achter de muurschildering?

AH: Eigenlijk bevatten al mijn werken van nature een politieke dimensie. Al het feit dat ik een ruimte toe-eigen, vaak ruimtes die leegstaan of private gevels zijn zoals deze gebouwen, heeft politieke implicaties van bezetting, verbondenheid en actie… Dus ja, de simpele handeling van het verlaten van mijn huis met verf om iets op straat te maken en mijn stempel achter te laten, is al een politiek gebaar. Maar ik voel dat ik niet expliciet hoef te zijn, zoals veel kunstenaars die een verdrietige, huilende zwarte persoon schilderen of juist een rijke en succesvolle. Dat heb ik niet nodig. Ik probeer niet zo direct te zijn, juist om interessanter te zijn. De titel “Sobe e desce” (Op en Neer) roept al vragen op over empowerment en ongelijkheid, omdat de een altijd bovenaan staat terwijl de ander altijd onderaan staat. Via de beelden die ik maak wil ik het open laten om interesse en discussie te wekken. Soms komen mensen met ideeën die ik zelf niet eens had bedacht, maar het is geweldig dat ze er iets anders in kunnen zien. Kunst moet de kracht hebben om iets in je wakker te maken.

CF: Eerder hadden we het over het kleurenpalet, en ik merkte dat je in veel van je werken dezelfde tinten gebruikt. Is daar een reden voor, of past het gewoon het beste bij de esthetiek die je wilt uitstralen?

AH: In het begin gebruikte ik kleuren die bij me opkwamen; ik besteedde er niet veel aandacht aan. Lange tijd mengde ik verf om ze langer mee te laten gaan, dus elke kleur kon dienen als achtergrond en een andere als omlijning; ik schilderde met kleuren die zelfs geen contrast hadden. En dat trok uiteindelijk de aandacht, wat het meest interessante deel is. Want ook al zag het er vreemd uit, het liet me opvallen. Mensen lachten me uiteindelijk uit en zeiden dat ik niet wist hoe ik met kleuren moest omgaan (lacht), maar het ontwerp was goed en mensen herinnerden zich dat ook. Na verloop van tijd ben ik uiteindelijk de voorkeur gaan geven aan slechts vier kleuren: oranje, zwart, wit en zilver. Die losten alles op wat ik nodig had en vielen op te midden van het grijze stedelijke landschap. Maar ik had niet de financiële middelen om te doen wat ik wilde, dus deed ik wat ik kon, en het is op een natuurlijke manier ontstaan.

CF: Het is grappig hoe een oplossing door gebrek aan middelen zo kenmerkend is geworden voor je werk. Ik vind de kleurencombinatie mooi en ik denk dat het heel goed werkt. Het leek me een heel doordachte esthetiek.

AH: Helemaal niet! Het is allemaal bij toeval gebeurd, en na verloop van tijd heb ik die identiteit verder ontwikkeld en verdedigd. Dat is wat het zijn van een kunstenaar inhoudt: leren jezelf en je ideeën te verdedigen. Wat je schildert, beeldhouwt enzovoort is slechts een visitekaartje. De manier waarop je je kunst in dialoog brengt met andere mensen, dat is het grote geheim van het kunstenaarschap!

CF: Ik denk dat Alex dat heel goed doet, een complete kunstenaar!

AH: Oh, heel erg bedankt! Ik denk dat leeftijd ook helpt; ik ben al meer dan 30 jaar actief in het artistieke veld, wat me veel ervaring geeft en me in staat stelt anderen te inspireren. Dat is het mooiste aan het zijn van een kunstenaar: andere mensen aanmoedigen.
Ik ben er zeker van dat Alex een echte inspiratie is voor anderen, gezien het betekenisvolle werk dat hij in zijn gemeenschap verricht. Hij zet zich in om jongeren te helpen tentoonstellingen en andere kunstevenementen bij te wonen, en hij breidt deze activiteiten ook uit naar oudere leeftijdsgroepen. Daarnaast gaat hij nog een stap verder door mensen te helpen bij het herbouwen van hun huizen en draagt hij met zijn artistieke talent bij aan het maken van prachtige muurschilderingen. Tijdens ons gesprek liet hij me een van zijn driedimensionale personages zien, wat perfect aansloot bij onze discussie over toegankelijkheid in kunst. Hij heeft eerder sensorische graffiti gemaakt die beleefd kan worden door mensen met een visuele beperking. Alex’ benadering van kunst is diep geworteld in verbinding en gedeelde beleving. Hij hecht waarde aan menselijke interactie en uitwisseling, aan de oprechte band die hij vormt met mensen terwijl hij zijn kunst maakt. Gesprekken, gedeelde maaltijden en hartelijke omhelzingen maken allemaal deel uit van zijn artistieke proces. Zoals Alex het treffend verwoordde: “Mijn werk stelt me in staat om echt levend te voelen.”

CF: Om het interview af te sluiten heb ik nog een laatste vraag. Aangezien graffiti en straatkunst de straat als tentoonstellingsruimte beschouwen, wat is jouw mening over ons museum dat in de open lucht is en de collectie direct beschikbaar stelt in de openbare ruimte? Hoe zie jij jezelf als onderdeel van dit initiatief?

AH: Oh, ik vind het geweldig. Ik had nooit gedacht dat graffiti deze schaal zou bereiken. Ook al heb ik beroemde muurschilders zoals Diego Rivera bestudeerd en zag ik dat zij al actief waren op straat, me voorstellen dat de schilderijen die ik maak ooit deel zouden uitmaken van een initiatief als dit is ongelooflijk! Het enige probleem met straatkunstmusea in het algemeen is dat ze vaak geen onderhoudsplan hebben voor de kunstwerken, waardoor deze na verloop van tijd achteruitgaan. De kunstenaars zouden betrokken moeten worden bij restauratiewerkzaamheden, en die zorg zou er moeten zijn, net als in andere musea. Maar verder is het fantastisch dat iedereen toegang kan hebben tot kunst in de openbare ruimte.

Tot slot was het ontzettend waardevol om complimenten van Alex te ontvangen over mijn interview. Hij uitte zijn oprechte waardering voor de vragen die ik stelde, die aanleiding gaven tot een groot aantal verhalen die nu aan de lezers worden gepresenteerd. Ik moet toegeven dat ik in het begin een beetje zenuwachtig was, want het was mijn eerste interview. Maar erkenning krijgen van een kunstenaar met zoveel ervaring, talent en een vriendelijke persoonlijkheid maakte het proces een stuk prettiger.