Terug naar blog

INTERVIEW MET HERMAN LAMERS – DEEL II

In dit tweede deel van het interview met Herman Lamers vertelt hij over de geschiedenis van de twee beelden die hij maakte voor de Oude Westen, en gaat hij dieper in op zijn persoonlijke leven en zijn kunstenaarschap. Heb je deel I nog niet gelezen? Lees dat eerst voor de volledige context.

Herman Lamers: Als je een beeld maakt, maak je mensen altijd groter dan normaal. Je verandert de verhoudingen en doet iets om het interessant te maken. Maar bij hem was er niets bijzonders behalve zijn lengte. Daarom heb ik hem op ware grootte gemaakt, zodat je dicht bij hem kunt gaan staan en zijn lengte pas dan echt opvalt.En ik heb hem in een soort ‘huissituatie’ geplaatst, zodat je zijn formaat kunt vergelijken met de rest. Ik vind het fijn als mensen dicht bij hem gaan staan. Ik hou ook van het zwart-witte beeld, ook al is het eigenlijk een bronzen beeld.

Cláudia Freitas: Dat was mijn volgende vraag. Welke technieken en materialen heb je gebruikt voor dit beeld en voor ‘Zebra in Trouble’?

HL: De zebra in moeilijkheden is gemaakt van aluminium en gegalvaniseerd ijzer. Deze hier (de Reus) is gemaakt van brons, dat ik wit heb geschilderd.

CF: Dus je hebt het brons geschilderd om er meer een grijstint van te maken? Waarom?

HL: Ja, ik wilde er een soort zwart-witfoto van maken, omdat alle beelden van hem in zwart-wit zijn. Ik wilde het niet glimmend of geel laten worden. Bovendien werden er in die tijd veel beelden gestolen in Nederland. Tot op de dag van vandaag weten veel mensen niet dat het beeld eigenlijk van brons is. De stoel, de schoenen en de persoon zijn van brons; de rest is van beton. Wat wil je verder nog van me weten?

CF: Je hebt eigenlijk al veel verteld! Maar ik wil ook meer over jou persoonlijk weten. Hoe was het om geboren en opgegroeid te zijn in Bussum, en waarom ben je hierheen verhuisd?

HL: Ben je ooit in Bussum geweest? (lacht)

CF: Nee, nooit (lacht).

HL: Bussum ligt dicht bij Amsterdam. Ik ben geboren in het ziekenhuis daar, maar opgegroeid in Weesp, een stad die nog dichter bij Amsterdam ligt. En toen ik achttien was…

CF: Ben je toen naar een academie in het noorden gegaan, toch?

HL: Ja, Groningen. Wil je weten waarom?

CF: Ja, natuurlijk! Waarom ben je daarheen gegaan? En denk je dat het nodig was voor je artistieke vorming, of niet?

HL: Je wilt meer over mij weten dan ikzelf (lacht). Ik ging naar Academie Minerva en had het daar naar mijn zin. Eerst studeerde ik trouwens geneeskunde, want ik wilde arts worden. Na twee jaar dacht ik: ‘Stom, je wilt helemaal geen arts worden.’ Toen besloot ik kunstenaar te worden. Als je destijds geneeskunde wilde studeren, waren er maar weinig plekken beschikbaar, dus werd ik naar Groningen gestuurd. En ik wilde daar ook graag heen, want Amsterdam ligt me niet zo. Daarna ben ik in dezelfde stad gebleven en heb ik aan Academie Minerva een kunstopleiding gevolgd. Het was een heel traditionele kunstschool met veel figuratieve kunst.

CF: Maar denk je dat het noodzakelijk was voor je carrière? Of helemaal niet?

HL: Nee, het was juist heel goed. Niet alles, maar soms moet je onzinnige dingen leren om daarna goede keuzes te kunnen maken. In die vijf jaar deed ik figuratieve kunst, en toen ik afstudeerde, werd ik abstract kunstenaar. Later ben ik weer figuratief werk gaan maken. Maar tegenwoordig richt ik me niet meer op figuratieve kunst. Ik weet het niet; ik hou van een combinatie van dingen.

CF: Dus je combineert figuratieve kunst met abstracte kunst?

HL: Hmm… Het is best ingewikkeld om uit te leggen wat ik doe. Ik ben geen figuratief kunstenaar. Ik ben meer een conceptueel kunstenaar die figuratieve dingen maakt. Ik denk vooral na over de functie van kunst. Ik werk bijvoorbeeld nooit in mijn atelier.

CF: Je hebt nooit in een atelier gewerkt? Waar werk je dan wel?

HL: Ik werk altijd in het moment, in de situatie zelf. Ik maak installaties, reageer ter plekke en reageer op situaties in mijn leven. Soms werk ik wel in mijn atelier, maar ik hou niet van die ouderwetse kunstenaarsmethode. Ik hou van de reacties die in de ruimte ontstaan.

CF: Je maakt veel werk voor de openbare ruimte. Werk je daar liever voor, in plaats van voor galeries of musea?

HL: Ik werk nooit voor galeries. Ik heb wel een installatie gemaakt in Museum Boijmans, op een bijzondere plek. Ik ben niet tegen musea, maar ik ben niet dat type kunstenaar. In de jaren 80 en 90 maakte ik veel werken die niet te koop waren. Het waren tijdelijke werken die maanden of weken bleven staan en daarna werden vernietigd. Pas in de jaren 90 begon ik dingen te maken voor de openbare ruimte.

CF: Ik las op je website dat de twee kernwoorden van je werk tijd en ruimte zijn. Hoe verbind je die woorden met deze twee kunstwerken?

HL: De Reus is een mooi voorbeeld van tijd. Hij doet me denken aan de jaren vijftig, dus heb ik hem in zwart-wit gemaakt, alsof het een oude foto is. En dan ruimte… Ik heb altijd gezegd dat een slecht beeld interessant kan zijn als het goed geplaatst is, maar dat een goed beeld helemaal kapot kan worden gemaakt door de ruimte eromheen. Ruimte heeft enorm veel invloed op een beeld. Ik was echt woedend toen ze de Reus naar een andere plek wilden verplaatsen.

CF: Wilden ze dat echt? Op een andere plek zou het waarschijnlijk niet kloppen.

HL: Ze vroegen me letterlijk: ‘Ga je ermee akkoord dat we hem verplaatsen naar een andere plek, meer achterin de tuin?’ Ik was woedend en zei nee. Of nou ja, eerlijk gezegd zei ik dat ze me heel veel geld zouden moeten betalen. Ik zei: ‘Honderdduizend euro, en dan mag je hem verplaatsen’, en toen zeiden ze: ‘Oké, dan doen we het niet’ (lacht). Het zou respectloos zijn tegenover de kunstenaar, want ik had juist goed nagedacht over de plek en het effect van de schaduw. Ze hebben trouwens ook de schaduw weggehaald, maar die is inmiddels weer terug. Een hele tijd was die er niet.

Ik vroeg hem naar een aantal kunstwerken die hij buiten Nederland had gemaakt, en of dat zijn kijk op het maakproces had veranderd. Voor hem is het eigenlijk hetzelfde: hij reageert op de ruimte, en de verschillen tussen die plekken zorgen ervoor dat hij andere ingrepen kan doen. Hij voegde er zelfs aan toe: ‘Overal ben ik een vreemdeling.’ Toen ik vroeg of hij een favoriete techniek had, antwoordde hij meteen: ‘Nee.’ Daarna begon hij me de kunstwerken in zijn boek te laten zien en legde hij uit hoe hij sommige van zijn beelden had gemaakt. De manier waarop hij met glas werkt, creëert een beeld dat ontstaat door het gat erin, een soort beeld in omgekeerde vorm. Zo omschreef hij het Engelenbeeld: ‘Het is er niet, alleen de reflectie ervan is er; net als een engel, die er ook niet is, maar die je je wel kunt voorstellen.’

CF: Hoe heet deze techniek eigenlijk?

HL: Geen idee; die heb ik zelf ontdekt.

CF: Nog iets interessants dat ik in je werk zie, is dat je altijd mensen en dieren uitbeeldt. Waarom eigenlijk?

HL: Het draait allemaal om ‘er zijn’. Alle beelden zijn een soort beeltenis van mezelf of van iemand anders. En ik hou ervan om de eenling te zijn, de buitenstaander die laat zien wie mensen eigenlijk zijn… Dit beeld staat bijvoorbeeld in Amsterdam (wijst naar de foto van The Last Dance, 2005): het is een soort elektriciteitshuisje, maar elektriciteit in het water is natuurlijk onzin, dus heb ik er een dansend stel bovenop gezet. Ze dansen gevaarlijk, los van de rest van de wereld. Ik hou ervan om grappige dingen te maken, maar tegelijk ook een beetje verdrietige dingen; ik combineer die twee graag.

CF: En de dieren?

HL: Mensen houden van dieren, maar dieren voelen zich vaak ook op de verkeerde plek. Bij dit werk hier (hij wijst naar een ander beeld) staat het dier ook op de verkeerde plek.

CF: Dus je zet graag dieren op de verkeerde plek?

HL: Ja! Ik combineer graag dieren, mensen en situaties waarin het dier niet op zijn plek is. Deze lama in het water is bijvoorbeeld ook onzin. Weet je dat lama’s niet van water houden? Ze haten water en spugen ook nog eens. En dit beeld staat toevallig voor een belastingkantoor (lacht).

CF: Je probeert een beetje sarcastisch te zijn richting de mensen die je inhuren (lacht).

HL: Ja, en iedereen vindt het geweldig, want ze weten dat het een knipoog is. Ik ben een mix van serieus en niet serieus, grappig en niet grappig. Dat is mijn manier van werken! Heb je nog meer vragen?

CF: Ja, zeker! Ik beloof je: we zijn bijna klaar. Hoe kwam je eigenlijk aan de uitnodiging om deze twee kunstwerken te maken in de Oude Westen? Waarschijnlijk op een andere manier, want ik weet dat er vier jaar tussen zit…

HL: De Reus kwam voort uit een wedstrijd. Drie kunstenaars werden gevraagd een voorstel te maken, en ik heb gewonnen (lacht).

CF: En de zebra’s?

HL: Voor de zebra’s was het juist de buurt die mij vroeg om het te maken, omdat het de bedoeling was om architectuur en beeldhouwkunst te combineren, met jonge en oudere kunstenaars samen. Ik was de oudere, de senior (lacht), en ik moest met de jonge kunstenaars samenwerken en een voorstel maken voor de hele buurt. Maar uiteindelijk was er niet genoeg geld voor het hele project. Ze wilden alles veranderen; de zebra’s waren maar een klein onderdeel van een veel groter en interessanter plan. Maar uiteindelijk bleef alleen mijn zebra-project over, want dat vonden ze het leukste idee. De andere kunstenaars waren daar boos over, omdat hun plannen niet doorgingen.

CF: Dan zal ik helaas het hele project niet kunnen zien, maar in ieder geval kan ik een deel ervan bekijken! Aangezien we nu een Street Art Museum zijn, wat vind je ervan om deel uit te maken van onze collectie? Je mag eerlijk zijn (lacht).

HL: Ik ben er heel blij mee dat mijn twee beelden er deel van uitmaken. Het is mooi dat dit soort projecten meer aandacht krijgt en dat er meer achtergrond komt bij de werken (over street art en graffiti). Sommige muurschilderingen vind ik mooi, andere niet, maar dat is normaal; iedereen heeft een andere mening. Het is altijd een gevecht om kunst in elke buurt te krijgen, dus ik wil graag deel uitmaken van elk kunstinitiatief zoals dit.

CF: Wat vind je ervan dat het museum een openluchtmuseum is?

HL: Ik weet het niet… Het is natuurlijk altijd goed om kunst toegankelijker te maken en onderdeel van de gemeenschap. Ik doe zelf ook het liefst kunst in de openbare ruimte. Maar soms is het wel vreemd: mensen zijn bang voor kunst. Veel mensen denken dat kunst nergens op slaat, lelijk of raar is, of te duur is… Het imago van kunst is niet altijd even goed. Als je zegt: ‘We gaan hier een mooi beeld neerzetten’, interesseert dat niemand. Wie zit er nou te wachten op een mooi beeld? Niemand wil een mooi beeld. Het imago van kunst is gewoon niet zo goed… Als er een openluchtmuseum is, denk ik dat er meer communicatie ontstaat met het publiek, en dat het imago van kunst daardoor verbetert. Ik zou graag meer tijdelijke dingen zien. De Reus was best duur, omdat hij voor altijd moest blijven staan. Maar als je iets maakt voor één of twee jaar, kan dat juist interessanter zijn; het kan levendiger en leuker zijn, omdat de plek constant verandert. Op een bepaalde manier ben ik eigenlijk tegen permanente beelden.

Ik sloot het interview af door Herman te vragen hoe hij zichzelf als kunstenaar ziet of definieert. Zijn antwoord was precies, zoals van iemand die heel goed weet hoe hij zijn artistieke visie moet presenteren en die op zijn eigen proces vertrouwt:

HL: Ik ben een conceptueel kunstenaar die nadenkt over ruimte in een sociale context.

Na een lang gesprek waarin ik deze bijzondere en eigenzinnige kunstenaar persoonlijk heb leren kennen, heb ik Herman gevraagd om een foto met hem, omdat ik het gepast vond om zo’n moment vast te leggen. Hij zei vrolijk ja en ging daarna weer verder met zijn dagelijkse leven. Zijn werk maakt een intense ontdekking van de menselijke conditie mogelijk, met alle grote ironieën en obstakels ervan, verdwaald in onzekere tijden, bewoners van een ruimte die ze claimen door hun dominante aanwezigheid.